Lou Reed comenzó su carrera musical en asociación con una pequeña discográfica llamada Pickwick, que le pagaba cantidades mínimas por componer canciones que luego eran acreditadas a grupos ficticios. Reed trabajaba en condiciones precarias, encerrado en una habitación junto con otros compositores, produciendo decenas de canciones diarias bajo los efectos de marihuana o anfetaminas. Una de sus creaciones, "The Ostrich", un número de baile absurdo, fue lanzada como sencillo bajo el nombre de The Primitives, un grupo que no existía. Para promocionar el disco, la discográfica contrató a músicos reales, entre ellos Sterling Morrison, Tony Conrad y el músico galés John Cale, formando así una banda temporal que incluía a Reed. Aunque el grupo tuvo un breve momento de notoriedad, el disco no logró éxito comercial.
La visión musical de Reed era compleja y ecléctica. Se inspiraba en el ritmo del rhythm and blues, pero también sentía una profunda atracción por el jazz experimental, especialmente por artistas como Ornette Coleman. Su interés por la literatura underground y la poesía moderna lo llevó a explorar temas oscuros y tabúes en sus letras, como la adicción, la marginalidad y la sexualidad. Mientras componía canciones comerciales para Pickwick, también creaba material más personal y arriesgado, como "Heroin", que años después se convertiría en uno de los temas más emblemáticos de The Velvet Underground.

Reed y Cale descubrieron una conexión creativa inmediata. Cale, con formación clásica y una inclinación por el experimentalismo musical —había participado en la interpretación de "Vexations" de John Cage, una pieza repetida 840 veces—, encontró en Reed un compañero que valoraba la innovación y la libertad artística. Reed se mudó al apartamento de Cale, y pronto se reencontró con Sterling Morrison. Juntos, junto con el baterista Angus MacLise, formaron la primera versión de una banda aún sin nombre. Reed ya no tenía contrato con Pickwick, lo que les permitió enfocarse en una música que les interesaba a ellos, más que en el mercado comercial.
En 1965, la escena artística underground de Nueva York estaba en auge, especialmente en el cine experimental influenciado por el surrealismo. MacLise tenía conexiones con cineastas como Piero Heliczer, quien organizó eventos multimedia que combinaban cine, danza, luces y música. Reed, Cale, Morrison y MacLise proporcionaron la música en vivo y grabada para estos espectáculos, lo que les dio una plataforma más allá de los clubes tradicionales de Manhattan, dominados por el rhythm and blues. En julio de 1965, grabaron una maqueta que incluía canciones como "Venus in Furs" y "Heroin", que enviaron a figuras del mundo musical, como el promotor británico Miles Copeland. Cale viajó varias veces a Inglaterra para promocionar la banda, y estaban a punto de mudarse a Londres cuando su camino cambió radicalmente: conocieron a Andy Warhol.
Antes de ese encuentro, la banda ya tenía una identidad en formación, pero aún carecía de nombre. Fue el amigo de Morrison, Tony Conrad, quien encontró un libro de bolsillo en la calle titulado The Velvet Underground, un documento gráfico sobre la corrupción sexual en Nueva York, que narraba historias de sadomasoquismo y perversiones urbanas. La banda adoptó el nombre, sintiendo que reflejaba su estética y su visión artística.

The Velvet Underground ganó notoriedad cuando una película de Heliczer sobre ellos fue incluida en un reportaje de la CBS sobre el cine underground. Este exposición atrajo la atención de Al Aronowitz, un periodista y aspirante a empresario, que tras ver una actuación de la banda en un happening, les ofreció tocar como teloneros de Myddle Class en una escuela secundaria de Nueva Jersey. Sin embargo, Angus MacLise se negó a cumplir con horarios estrictos y abandonó la banda, considerando que la música no debía someterse a estructuras impuestas por otros.
Lou Reed entonces reclutó a Maureen "Moe" Tucker, hermana de un amigo común, para ocupar la batería. Tucker trabajaba como programadora de computadoras y había dejado una banda anterior tras un tiroteo en el escenario. Inicialmente, no fue considerada miembro pleno, especialmente por John Cale, quien se resistía a tener mujeres en la banda. Aun así, Tucker se incorporó y pronto se convirtió en una pieza fundamental.
La actuación en Summit fue un evento confuso y desconcertante para el público, pero Aronowitz vio potencial en la banda y les consiguió presentaciones regulares en el Cafe Bizarre de Greenwich Village. Aunque ganaban poco dinero y no eran bien recibidos por los clientes ni la administración del lugar, este escenario les permitió ensayar y desarrollar su repertorio. Tucker, en un principio, solo podía tocar pandereta porque el local no permitía baterías. Durante este periodo, la banda conoció a Andy Warhol, quien visitó el apartamento que Reed y Morrison compartían en Nochevieja de 1965.
The Factory, el estudio de Warhol, se convirtió rápidamente en un segundo hogar para los Velvets. Warhol, fascinado por su sonido y estética, quería integrarlos en su próximo proyecto de discoteca experimental. Además, propuso que la banda incluyera a Nico, una cantante europea, modelo y actriz que había trabajado con Fellini. Warhol creía que su voz profunda y fría, junto con su belleza enigmática, encajaba perfectamente con la atmósfera de la banda.

La propuesta fue inicialmente rechazada por los miembros, que no querían ser simplemente el grupo de acompañamiento de una estrella. Sin embargo, Warhol los convenció, prometiendo visibilidad y acceso al mundo del arte contemporáneo. Finalmente, aceptaron, y el grupo cambió su nombre a The Velvet Underground and Nico. Sabían que la influencia de Warhol podía abrir puertas que de otro modo estarían cerradas.
En enero de 1966, Warhol filmó a la nueva formación en una película titulada The Velvet Underground and Nico: A Symphony of Sound. La grabación fue interrumpida por la policía por ruido, pero la película sobrevivió y se usó como fondo visual en conciertos posteriores. Warhol quería transformar los conciertos en espectáculos multimedia, con proyecciones, luces estroboscópicas y bailarines. El primer evento de este tipo, llamado "Andy Warhol, Up-Tight", se realizó en la Cinematheque y luego salió de gira. Tras un comienzo irregular, el espectáculo alcanzó gran impacto, especialmente en Ann Arbor, donde el público respondió con entusiasmo. Warhol describió ese momento como un punto de inflexión.

Tras la gira, Warhol y su colaborador Paul Morrissey buscaron un lugar estable para que la banda actuara regularmente. Encontraron The Dom, un club neoyorquino, y crearon un happening llamado The Exploding Plastic Inevitable (E.P.I.), un nombre tomado de una frase de un disco de Bob Dylan. El espectáculo combinaba música, luces psicodélicas, proyecciones y performance artística. Fue un éxito inmediato, y aunque la prensa destacó principalmente a Warhol, los Velvets también recibieron atención significativa. El crítico Richard Goldstein describió su sonido como una fusión entre Bob Dylan y el Marqués de Sade, destacando su intensidad y provocación.
Con el impulso del E.P.I., Warhol decidió producir un álbum. Reed, celoso de la atención que recibía Nico, al principio se negó a darle canciones para cantar. Sin embargo, finalmente se llegó a un acuerdo: Nico interpretó temas como "Femme Fatale", cuya voz distante y melancólica encajaba perfectamente con la atmósfera de la banda. Reed, por su parte, cantó "I'm Waiting for My Man", "Venus in Furs" y "Heroin", entre otras, con su característica frialdad emocional.

Warhol actuó como productor nominal, aunque su participación directa en el estudio fue mínima. Lo que sí hizo fue proteger a la banda de interferencias externas y financiar el proyecto. El álbum fue lanzado por MGM/Verve gracias a las conexiones de Warhol. La portada, diseñada por él, se convirtió en un ícono: un fondo blanco con un plátano que podía pelarse, acompañado solo por su firma.
The Velvet Underground & Nico, lanzado en 1967, contiene 11 canciones que se han convertido en clásicos del rock alternativo. Temas como "Heroin" y "Venus in Furs" abordan drogas, sadomasoquismo y marginalidad sin juicios morales, lo que limitó su éxito comercial. El sonido de la banda era una mezcla de pop melódico y ruido atonal, con guitarras saturadas y viola experimental. Cale describió su estilo como "primitivo", y críticos posteriores lo definieron como una fusión de arte y miedo.
Los Velvets continuaron con el E.P.I., pero las tensiones internas crecieron, especialmente entre Nico y el resto del grupo. La banda usaba gafas de sol para protegerse de las luces intensas, y Tucker comenzó a usar objetos no convencionales como batería. Fueron contratados para tocar en Los Ángeles junto a The Mothers of Invention de Frank Zappa, pero el concierto fue cerrado por las autoridades tras tres días. Posteriormente, Bill Graham los invitó al Fillmore, junto a Jefferson Airplane, pero los Velvets despreciaban la cultura psicodélica de San Francisco, con su mensaje de amor y paz. Su visión oscura y cruda chocaba con el espíritu de la época.

En 1967, Nico dejó la banda, principalmente por conflictos de agenda. Al mismo tiempo, Reed decidió despedir a Warhol como mánager, una decisión que supuestamente provocó una reacción de Warhol: le preguntó si quería tocar en museos para siempre. Reed respondió buscando un nuevo mánager, Steve Sesnick, marcando el fin de la era Warhol.

Los Velvets grabaron su segundo álbum, White Light/White Heat, en septiembre de 1967. Este disco es aún más agresivo que el anterior: guitarras con retroalimentación extrema, ritmos caóticos y letras sobre drogas, travestismo y decadencia. "Sister Ray", una improvisación de 17 minutos inspirada en el jazz de vanguardia, es el punto culminante del álbum. Reed afirmó que esta canción era un precursor del heavy metal, y que representaba la idea de enfrentar la realidad sin filtros.
Aunque algunos críticos reconocieron su valor, el álbum no tuvo apoyo del sello discográfico y no vendió bien. En septiembre de 1968, John Cale dejó la banda. Las tensiones con Reed eran insostenibles, y Reed convocó una reunión para anunciar su salida. Morrison y Tucker se alinearon con Reed para mantener la banda unida, pero el episodio dejó heridas profundas.

Doug Yule, un músico de Boston, reemplazó a Cale. Con esta nueva formación, grabaron su tercer álbum, The Velvet Underground, lanzado en marzo de 1969. Este disco mostró un cambio de dirección: más melódico, introspectivo y accesible. Canciones como "Pale Blue Eyes", "Jesus" y "Candy Says" destacaron por su belleza y sensibilidad. Los críticos elogiaron el álbum, describiéndolo como evocador y emocionalmente rico. Sin embargo, MGM no lo promocionó adecuadamente, limitando su alcance comercial.
La banda grabó canciones para un cuarto álbum, pero el sello los dejó antes de su lanzamiento. Esas grabaciones circularon como piratas hasta que fueron oficialmente editadas en 1985 bajo el título VU. En 1969, los Velvets realizaron una extensa gira, capturada en el álbum en vivo 1969: The Velvet Underground Live, que muestra a la banda en su mejor momento. A pesar de su intensa actividad, carecían de dinero y de un sello estable.
En 1970, firmaron con Atlantic Records. Tocaron una serie de conciertos legendarios en Max's Kansas City, grabados y lanzados en 1972. Reed dejó la banda antes de que se mezclara su último álbum de estudio, Loaded. Este disco incluye versiones definitivas de "Rock and Roll", "Sweet Jane", "New Age" y "Oh Sweet Nuthin’", con un sonido más orientado al rock convencional, con toques de gospel y blues. Yule asumió múltiples roles: voz principal, guitarra, teclados y batería en algunas pistas.
Loaded se convirtió en el canto del cisne de la banda, un puente entre su experimentalismo y el rock mainstream que dominaría la década de 1970.

Tras la salida de Reed, quedó claro que The Velvet Underground no podía continuar. Reed emprendió una carrera en solitario, a menudo controvertida pero muy respetada. Tucker se retiró para criar a su familia, aunque lanzó discos esporádicamente. Morrison se convirtió en profesor de inglés, y Yule montó un taller de muebles, dedicándose a la música de forma ocasional.

Sin embargo, a mediados de los años 70, comenzó a reconocerse la influencia monumental de la banda. Su sonido y estética fueron fundamentales en el nacimiento del glam rock, el punk y el post-punk. Bandas como R.E.M., Talking Heads, Joy Division y Sonic Youth citaron a los Velvets como una de sus principales influencias. El relanzamiento de su material en 1985 consolidó su legado. Se hizo famosa la frase: "Solo mil personas compraron su primer álbum, pero todas formaron una banda".
Nico y Warhol murieron en 1988. En 1990, Reed y Cale se reconciliaron para crear Songs for Drella, un álbum homenaje a Warhol que también repasaba la historia de los Velvets. La obra fue aclamada y reavivó viejas emociones. Cale reflexionó que, a pesar de su impacto, la banda nunca cumplió completamente su promesa artística.
Kurt Loder, en una reseña de un disco de Tucker, se preguntó por qué no se reunían para grabar un nuevo álbum. Muchos fans compartían esa esperanza. Aunque nunca se concretó, el legado de The Velvet Underground siguió creciendo. Reed declaró en 1986 que su ambición era "derribar la puerta de lo que trataban las canciones de rock", y para los años 90, era evidente que el mundo del rock había abierto esa puerta. The Velvet Underground, a pesar de su falta de éxito comercial en vida, se convirtió en una de las bandas más influyentes de la historia del rock, cuya sombra se extiende sobre generaciones enteras de músicos.