La banda se formó a finales de la década de 1980 bajo el nombre de Katzenjammer, con John García en la voz, Josh Homme en la guitarra, Brant Bjork en la batería y Chris Cockrell en el bajo. Nick Oliveri también formó parte del grupo inicial, tocando la guitarra rítmica antes de convertirse más tarde en el bajista de la banda. Pronto pasaron a llamarse Sons of Kyuss, nombre tomado de una criatura del juego de rol de fantasía «Advanced Dungeons & Dragons», y lanzaron un disco autofinanciado bajo ese nombre en 1990. Para cuando acortaron el nombre a Kyuss, la esencia del grupo ya estaba clara: la voz cruda y conmovedora de García; el tono de guitarra inusualmente grave y denso de Homme; la batería fluida y pausada de Bjork; y una sensación de espacio que los diferenciaba tanto del thrash metal como del hard rock convencional.

Más tarde, a Kyuss se le describió a menudo como una banda de stoner rock o desert rock, pero al principio eran simplemente un grupo de jóvenes músicos que alejaban la música pesada del pulido para acercarla a la atmósfera. Homme afinaba su guitarra en tonos graves y era conocido por usar gabinetes de bajo para darle a su guitarra una presencia física más amplia y pesada. Esa elección fue clave. Su forma de tocar no se limitaba a los riffs; se trataba de la presión del aire, el sustain y la forma en que un acorde podía flotar en el espacio. La batería de Brant Bjork también le daba a la banda un toque diferente al de gran parte del rock pesado de la época. Podía tocar con fuerza, pero no hacía que la música resultara rígida. Sus ritmos a menudo avanzaban con un balanceo relajado, más cercano al movimiento de un largo viaje por carretera que al ataque rígido del metal. John García se situaba al frente con una voz que podía sonar desesperada, autoritaria y curtida por el tiempo sin caer en lo teatral en el sentido habitual del glam metal.

El primer álbum de Kyuss, Wretch, salió en 1991 y capturó a una banda aún cercana a sus inicios punk. Parte del material provenía de la época de Sons of Kyuss, y el disco tiene un sonido más áspero y apretado que los álbumes que le siguieron. Es importante no tanto como una declaración definitiva, sino como un documento de una banda joven que descubre su fuerza. Canciones como «Hwy 74» y «Love Has Passed Me By» muestran que los elementos básicos ya estaban presentes: la pesadez de los graves, los cambios de tempo inquietantes y la voz de García que se opone a la guitarra de Homme. Pero «Wretch» aún no captaba por completo la apertura que hacía especial a Kyuss. La banda necesitaba un productor que pudiera entender que la pesadez no tenía por qué significar compresión, y que sus mejores cualidades no siempre eran las más obvias.

Esa persona fue Chris Goss, el cantante y guitarrista de Masters of Reality, quien se convirtió en una de las figuras externas más importantes en la historia de Kyuss. Goss produjo «Blues for the Red Sun», lanzado en 1992, junto con la banda, y los ayudó a encontrar un sonido grabado más cercano al extraño poder de su identidad en vivo. El álbum fue un gran salto. Era más pesado que «Wretch», pero también más espacioso, más colorido y más seguro de sí mismo. Su propio título sugería el ambiente de la banda: calor, resplandor, distancia y un sentimiento de blues filtrado a través de amplificadores distorsionados. El disco no buscaba la velocidad ni la exhibición técnica comunes en el metal de la época. Se extendía, respiraba y trataba la repetición como una fuente de hipnosis.

«Blues for the Red Sun» es donde Kyuss se volvió inconfundible. «Thumb» avanza con una confianza lenta y imponente; García suena como si estuviera cantando desde dentro del riff en lugar de por encima de él. «Green Machine» es más directa y agresiva, pero incluso ahí el tono de la guitarra tiene un espesor polvoriento y redondeado que hacía que la canción se sintiera diferente del rock más duro que sonaba en la radio a principios de la década de 1990. «50 Million Year Trip» mostró otra faceta de la banda, abriéndose a un largo pasaje instrumental que se percibía menos como una sección de solo convencional que como un paisaje. Kyuss podía ser directo, pero no era limitado. Sabía cómo dejar que un riff se convirtiera en un lugar.

El álbum también marcó el final de la primera etapa importante de Nick Oliveri con la banda. La forma de tocar el bajo de Oliveri y su energía desenfrenada formaban parte del carácter inicial de Kyuss, pero se fue por la época de «Blues for the Red Sun» y fue reemplazado por Scott Reeder, exmiembro de The Obsessed. Reeder cambió el centro de gravedad. Su estilo al bajo era fluido, melódico y estaba profundamente integrado al sonido de afinación baja de la banda. Con él, Kyuss se volvió menos rudimentario y más expansivo. El cambio no suavizó a la banda. La hizo más profunda. La llegada de Reeder ayudó a convertir a Kyuss de una prometedora banda de rock pesado en una capaz de crear un viaje musical completo a lo largo de un álbum.

Ese viaje fue «Welcome to Sky Valley», lanzado en 1994. Grabado en los Sound City Studios de Van Nuys y producido por Kyuss junto con Chris Goss, con la participación de Joe Barresi en la ingeniería y la mezcla, a menudo se considera el trabajo más representativo de la banda, y con razón. El álbum se estructuró originalmente como tres suites extendidas en lugar de una simple lista de canciones separadas, lo cual se ajustaba a la forma en que Kyuss entendía el impulso musical. En lugar de presentar una colección de sencillos, el disco se escucha como un viaje por el desierto dividido en largos tramos. El sonido es más cálido y envolvente que el de «Blues for the Red Sun», con la guitarra de Homme extendiéndose por toda la mezcla, el bajo de Reeder moviéndose como un segundo motor por debajo y la batería de Bjork manteniendo las canciones humanas en lugar de mecánicas.

«Welcome to Sky Valley» también demostró cuánta variedad tenía Kyuss dentro de su propio mundo, que parecía tan limitado. «Gardenia» es pesada y cautiva de inmediato, pero su poder proviene tanto de la paciencia como de la fuerza. «Asteroid» convierte la repetición en atmósfera, dando vueltas alrededor de un riff hasta que el oyente es arrastrado a su órbita. «Demon Cleaner» es una de las piezas más elegantes de la banda, construida sobre la moderación, el groove y una interpretación vocal de García que demuestra que no necesitaba gritar para sonar intenso. La versión que incluye el álbum de «N.O.», de la banda de la escena del desierto Across the River, también hacía referencia a la comunidad que los rodeaba, especialmente a figuras como Mario Lalli, cuyo trabajo con Across the River y Yawning Man ayudó a dar forma al entorno musical más amplio de Palm Desert.

Parte de lo que hacía a Kyuss inusual era que eran a la vez intensamente locales e inesperadamente influyentes. No eran una banda fabricada por una escena urbana con una narrativa mediática clara. Su mitología surgió de las fiestas con generadores, las distancias del desierto, el equipo barato y una red de músicos que tocaban porque no había mucho más que hacer. Ese trasfondo le dio a su música una naturaleza salvaje y práctica. Las canciones largas no eran un gesto abstracto de rock progresivo; tenían sentido en un lugar donde una banda podía extenderse bajo el cielo abierto. Los riffs pesados no eran solo una herencia del metal; eran una forma de llenar el espacio físico.

Sin embargo, Kyuss nunca fue simplemente una banda de improvisación. Sus mejores canciones están cuidadosamente esculpidas, incluso cuando parecen sueltas. Los riffs de Homme a menudo se basan en pequeños giros rítmicos más que en una complejidad obvia. La batería de Bjork le da a la música un pulso ondulante que evita que se vuelva estática. Las letras de García no siempre eran el foco central, pero su interpretación les daba a las canciones una urgencia humana. Reeder, especialmente en «Welcome to Sky Valley», aportó una sensación de movimiento melódico que hacía que los graves cobraran vida. Esta combinación ayudaba a explicar por qué tantas bandas posteriores se inspiraron en Kyuss, pero rara vez sonaban tan naturales. Los ingredientes eran fáciles de describir: guitarras afinadas en tonos más graves, la pesadez de Black Sabbath, imágenes del desierto, ritmos prolongados. La química era mucho más difícil de reproducir.

Después de «Welcome to Sky Valley», Kyuss se encontraba en una situación extraña. Su reputación iba en aumento, especialmente entre músicos y oyentes comprometidos del rock pesado, pero no se estaban convirtiendo en un grupo de gran éxito comercial. Realizaron giras, se ganaron el respeto de la crítica y atrajeron a ese tipo de público devoto que más tarde, en retrospectiva, los hizo parecer más grandes de lo que eran en ese momento. Al mismo tiempo, continuaron los cambios internos. Brant Bjork dejó la banda en 1994 y más tarde habló en entrevistas sobre su frustración con la experiencia. Alfredo Hernández lo reemplazó en la batería, aportando un enfoque diferente para el último álbum de estudio de la banda.

«...And the Circus Leaves Town», lanzado en 1995, a veces queda eclipsado por «Blues for the Red Sun» y «Welcome to Sky Valley», pero es una parte crucial de la historia. Suena como una banda que, al mismo tiempo, refina y agota su lenguaje. La producción es más limpia en algunos momentos, la interpretación es sólida, y canciones como «One Inch Man», «Hurricane» y «El Rodeo» demuestran que Kyuss aún podía hacer música pesada con ritmo y personalidad. También hay un sentimiento más oscuro y resignado en algunas partes del álbum, como si la libertad de la carretera sin fin de los discos anteriores hubiera comenzado a parecer más bien una trampa. Hernández era un baterista poderoso, pero la ausencia de Bjork cambió la dinámica interna. La banda seguía siendo Kyuss, pero el equilibrio se había alterado.

Kyuss se separó en 1995, poco después de lanzar «...And the Circus Leaves Town». En ese momento, aún no habían alcanzado el nivel de éxito comercial que hubiera hecho que su separación se percibiera como un acontecimiento importante en la industria. Sin embargo, su influencia creció de manera constante tras su separación. Josh Homme tocó brevemente con Screaming Trees y luego creó The Desert Sessions, un proyecto discográfico informal que perpetuó parte del espíritu colaborativo de Palm Desert. Más tarde formó Queens of the Stone Age, incorporando a Alfredo Hernández a la alineación inicial y, finalmente, reuniéndose con Nick Oliveri para la etapa de éxito comercial de la banda. John García pasó a formar parte de Slo Burn, Unida, Hermano y a dedicarse a su carrera solista. Brant Bjork se convirtió en artista solista y también tocó con Fu Manchu. Scott Reeder se convirtió en un respetado bajista y productor. Oliveri formó Mondo Generator y siguió siendo uno de los personajes más volátiles del rock pesado.