Lou Reed fue uno de los artistas de rock más influyentes del siglo XX, aunque nunca alcanzó el estrellato masivo que otros músicos de su generación. Su legado radica en su capacidad para desafiar las convenciones sociales, musicales y artísticas, abriendo caminos que otros seguirían, especialmente en el punk y en el rock alternativo. Reed combinó una sensibilidad literaria con una crudeza urbana, creando un sonido y una actitud que resonaron profundamente en generaciones posteriores. A pesar de sus altibajos comerciales y críticos, su obra siempre mantuvo una coherencia estética y emocional: una mirada fría, oscura y honesta sobre la vida, el deseo, el sufrimiento y la redención.
Nacido como Lewis Allan Reed el 2 de marzo de 1942 en Brooklyn, Nueva York, su infancia estuvo marcada por la inestabilidad emocional. Su familia se trasladó a Freehold, Long Island, cuando él tenía nueve años, y allí sufrió acoso escolar que exacerbó sus ansiedades y fobias.

A los 16 años comenzó a experimentar con drogas, lo que llevó a sus padres a someterlo a terapia de electrochoque bajo consejo médico. Este trauma lo marcó profundamente y años después lo plasmaría en su canción “Kill Your Sons”. La música se convirtió en su refugio: se interesó por el rock & roll, el doo wop, el rhythm & blues y el jazz, y ya en la escuela secundaria tocaba en bandas locales. A los 16 años, su grupo los Jades grabó un sencillo que fracasó comercialmente, pero demostró su vocación temprana por la composición y la interpretación.
Reed convocó a Sterling Morrison, amigo de la universidad, para la guitarra; Cale asumió el bajo y la viola; y tras un breve paso de Angus MacLise, Maureen Tucker se convirtió en la baterista. Adoptaron el nombre Velvet Underground de un libro sobre la revolución sexual que encontraron en la calle. En 1966, fueron descubiertos por Andy Warhol, quien se convirtió en su mánager y los integró a su espectáculo multimedia “The Exploding Plastic Inevitable”. Con un sonido crudo, experimental y letras que abordaban temas tabú —drogas, sexo, alienación—, los Velvet Underground se volvieron icónicos aunque no tuvieron éxito comercial. Grabaron cuatro álbumes: “The Velvet Underground & Nico” (1967), “White Light/White Heat” (1968), “The Velvet Underground” (1969) y “Loaded” (1970).

Tras graduarse en la Universidad de Syracuse, se mudó a Nueva York y consiguió trabajo en Pickwick Records, una compañía de bajo presupuesto que producía discos baratos. Allí escribía y grababa canciones siguiendo tendencias comerciales. Una de ellas, “The Ostrich”, llamó la atención por su peculiar afinación de guitarra —todas las cuerdas en la misma nota— y fue lanzada bajo el nombre de los Primitives. Para promocionarla en vivo, Reed reclutó músicos, entre ellos John Cale, un galés con formación clásica y experiencia en la vanguardia neoyorquina. Aunque Cale no quedó impresionado por la canción, sí por la afinación experimental, similar a la que usaba con LaMonte Young. Esta conexión fue el germen de lo que vendría después: la formación de los Velvet Underground.

Este último fue grabado mientras Reed ya planeaba su salida, cansado de las tensiones internas y la falta de reconocimiento. Se retiró discretamente en agosto de 1970, marcando para muchos el fin real de la banda, aunque Doug Yule continuó con el nombre hasta 1973.
Tras dejar los Velvet, Reed regresó a casa de sus padres en Long Island y trabajó como mecanógrafo. Pero en 1971 firmó con RCA Records y grabó su primer álbum solista, “Lou Reed”, con músicos de Yes. El disco, compuesto principalmente por canciones no lanzadas de los Velvet, pasó desapercibido. Su verdadero despegue llegó con “Transformer” (1972), producido por David Bowie y Mick Ronson, quienes lo ayudaron a adoptar el glam rock. “Take a Walk on the Wild Side” se convirtió en un éxito internacional, y “Perfect Day” en un clásico atemporal. Con ese impulso, Reed convenció a RCA de financiar “Berlin” (1973), un álbum conceptual oscuro y orquestado sobre una relación destructiva. Aunque hoy es considerado una obra maestra, en su momento fue un fracaso comercial por su tono depresivo.

Para reconectar con el público, Reed montó una banda de hard rock con guitarristas virtuosos como Dick Wagner y Steve Hunter, y lanzó “Rock N’ Roll Animal” (1974), un álbum en vivo que reimaginaba sus canciones con un enfoque más accesible y potente. Fue un éxito, y lo siguió “Sally Can’t Dance” (1974), un álbum de glam mediocre pero comercialmente exitoso. Sin embargo, en 1975 sorprendió con “Metal Machine Music”, un disco de ruido puro sin estructura ni canciones, que muchos interpretaron como un acto de sabotaje artístico. Fue un fracaso absoluto, pero también una declaración de independencia creativa. En 1976, dio un giro hacia lo íntimo y nostálgico con “Coney Island Baby”, un álbum cálido y personal, inspirado en el doo wop de su juventud.
Al finalizar su contrato con RCA, firmó con Arista y lanzó “Rock and Roll Heart” (1976), un disco optimista pero poco memorable. Sin embargo, el auge del punk lo revitalizó: fue reconocido como precursor, lo que lo motivó a crear “Street Hassle” (1978), un álbum crudo, confesional y deliberadamente provocador. Recibió excelentes críticas y marcó su regreso a la autenticidad. “Live: Take No Prisoners” (1978) destacó más por sus comentarios escénicos que por la música, pero “The Bells” (1979) y “Growing Up in Public” (1980) mostraron una madurez temática y personal. En este período, Reed superó su adicción a las drogas y al alcohol, se casó con Sylvia Morales —tras años de identificarse como gay o bisexual— y se mudó a una granja en Nueva Jersey para concentrarse en su arte.
Con el guitarrista Robert Quine, firmó nuevamente con RCA y lanzó “The Blue Mask” (1982), un álbum intenso y revelador que muchos consideran su mejor trabajo solista. Lo siguió “Legendary Hearts” (1983), también aclamado, pero para “New Sensations” (1984) decidió tocar todas las guitarras él mismo.

El álbum fue más accesible y positivo, con “I Love You Suzanne” como sencillo menor. Realizó una gira extensa, documentada en “Live in Italy” (1984). “Mistrial” (1986) cerró su etapa en RCA con resultados desiguales.
En 1989, con Sire Records, lanzó “New York”, un álbum de comentario social y político sobre su ciudad natal, que recibió críticas entusiastas y logró disco de oro.

La última pista, “Dime Store Mystery”, fue un homenaje a Andy Warhol, cuya muerte también facilitó la reconciliación con John Cale. Juntos crearon “Songs for Drella” (1990), un ciclo de canciones sobre Warhol. En una presentación en Francia, Sterling Morrison y Maureen Tucker se unieron para un bis improvisado de “Heroin”, reuniendo por primera vez a los cuatro miembros originales de los Velvet Underground desde 1970.
“Magic and Loss” (1992), inspirado en la muerte de dos amigos cercanos, fue bien recibido pero no igualó el impacto de “New York”. En 1993, los Velvet Underground realizaron una gira europea que generó entusiasmo, aunque las tensiones internas impidieron que continuara en Estados Unidos. Tras la muerte de Sterling Morrison en 1995, cualquier posibilidad de reunión permanente se esfumó. Ese mismo año, Reed y Sylvia Morales se divorciaron.
En 1996 lanzó “Set the Twilight Reeling”, un álbum sobre las complejidades del amor, coincidiendo con el inicio de su relación con Laurie Anderson, con quien se casó en 2008 y permaneció hasta su muerte. En 1998 se estrenó el documental “Lou Reed: Rock & Roll Heart” y lanzó “Perfect Night: Live in London”. Colaboró con Robert Wilson en obras teatrales como “Timerocker” y “POE-try”, esta última inspirada en Edgar Allan Poe y convertida en el álbum “The Raven” (2003), con actuaciones de Willem Dafoe y Steve Buscemi. En 2004, un concierto en Los Ángeles se convirtió en “Animal Serenade”.

En 2006 y 2007, Reed reinterpretó “Berlin” en conciertos con orquesta, documentados en “Berlin: Live at St. Ann’s Warehouse” (2008). También revisó “Metal Machine Music” con el grupo alemán Zeitkratzer, lanzando una versión en vivo desde la Ópera de Berlín. Ese mismo año publicó “Hudson River Wind Meditations”, música ambiental para acompañar su práctica de tai chi.
En 2009, en un evento del Salón de la Fama del Rock & Roll, tocó con Metallica, lo que derivó en una colaboración para el álbum “Lulu” (2011), basado en obras del dramaturgo Frank Wedekind. El disco fue recibido con críticas mayormente negativas y rechazado tanto por fanáticos de Reed como de Metallica. Nunca hubo gira, y en 2012 se le diagnosticó una enfermedad hepática grave. Se sometió a un trasplante en abril de 2013, pero falleció en octubre de ese año en su casa de East Hampton, Nueva York, a los 71 años.
En 2020, Rhino Records lanzó una edición ampliada de “New York”, con material inédito y una actuación completa en vivo. Posteriormente, archivistas descubrieron en su oficina una cinta sellada por Reed en 1965, con grabaciones tempranas que incluían canciones de los Velvet y otras desconocidas. En colaboración con Laurie Anderson y Light in the Attic Records, se publicó en 2022 como “Words & Music, May 1965”, anunciado como el primero de una serie de lanzamientos póstumos que explorarán su vasto archivo inédito.

Lou Reed nunca buscó complacer; su arte fue siempre una extensión de su visión personal, desafiante, literaria y profundamente humana. Desde los días de los Velvet Underground hasta sus últimos experimentos, mantuvo una voz única: fría, urbana, incisiva, pero también vulnerable. Su influencia trasciende géneros y generaciones: fue un puente entre la vanguardia y el rock, entre la poesía y el ruido, entre la introspección y la provocación. Su legado no se mide en ventas, sino en cuántos artistas encontraron en él permiso para ser auténticos, incómodos y libres.